Richard Stabbert er en amerikansk maler, født i Red Bank, New Jersey i 1959 og fuldstændig selvlært — ingen kunstskole, ingen MFA. Hans små, intime malerier af nøgne mænd på stranden, holdt i en palet af blå, lyserøde og okkerfarvede toner, fungerer som en dagbog over hans somre på New Jersey Shore og i Provincetown, Massachusetts, byen på spidsen af Cape Cod, der har været hans kunstneriske hjem i årtier.
Leslie-Lohman Museum of Art i New York har hans arbejde i sin permanente samling; han er en af de 100 Artists of the Male Figure; og hans malerier har rejst fra en boghandel i Paris til et hollandsk galleri. Hans bog Provincetown Memories: Paintings and Words sammenstiller hans malerier med hans egen tekst.
For Locals Insider har Richard skrevet om at lære at male uden en lærer, om hvornår den mandlige figur blev hans motiv, om hvorfor han altid leder efter den rette nuance blå, om de kunstnere og bøger, der har formet ham, om den åbningsaften i Chelsea, der ændrede alt — og en dag i hans personlige Provincetown, fra stenmuren uden for Joe Coffee til en kold svømmetur i saltmarsken.
Hans arbejde vises hos ArtLove Gallery, Provincetown, og Galerie MooiMan i Groningen, Nederlandene. Mere på rstabbert.com og på Instagram som @rstabbert.
At dokumentere menneskerne i mit liv
Jeg er født i Red Bank, New Jersey, og er en selvlært maler. Jeg dokumenterer menneskerne i mit liv, både fortid og nutid.
Tidløsheden i, hvem vi er som bøssemænd, at nedbryde en facade og afsløre os selv. En mulighed for at være sårbar, en aldersløshed, der bor i os alle. Skønheden ved mænd i alle former; det er, hvad jeg håber, mit arbejde efterlader hos beskueren.
Temaerne i mine malerier er halvt selvbiografiske billeder af nøgne mænd på stranden, som fungerer som en dagbog over mine somre på New Jersey Shore og i Provincetown, Massachusetts. Mine malerier er mere følelsesmæssigt end teknisk motiverede og udtrykker kærlighedens, naturens og begærets bestandighed med temaer om kærlighed, tab og genfinding, leg og forbindelse.
Det, der formede mig, var skønhed
Det, der formede mig, var “skønhed”. Måske har det, at jeg er selvlært, tilladt mig at nå frem til mit arbejde fra en anden retning. Jeg lærte ikke kunstens sprog. Jeg måtte regne det ud selv, og jeg vidste, hvad jeg ville sige. Jeg lærer konstant af fejlene. Så er der livet selv, ønsket om at eje et øjeblik, en slags dagbog.
En dag ved Herring Cove, en sommerdag i Provincetown, noget smukt kun set et kort øjeblik, måske husket gennem min egen tågede linse.
“Jeg håber, at farven kan skabe følelsen, allerede før billedet træder frem.”
Han var der allerede
Jeg husker ikke at have truffet en bevidst beslutning om at male den mandlige figur. Det var mere en erkendelse af, at den altid havde været der.
Som teenager, og til stor bekymring for min mor, tegnede jeg billeder af mænd.
Hele mit voksne liv har jeg været draget af den mandlige figur gennem maleri, fotografi, litteratur og film, længe før jeg forstod, at den ville blive det centrale tema i mit arbejde.
Det er først for nylig, at jeg er begyndt at forstå det. Mine malerier rummer mere for mig; erindring, skønhed, sårbarhed, begær og tidens forløb. Mit arbejde er sjældent portrætkunst i konventionel forstand. Kompositionerne er dels erindring, dels opfindelse, dels nogen jeg måske har kendt eller ville have ønsket at kende. Det er min måde at genbesøge en tid og en følelse, som ikke faktisk kan genvindes.
Måske var det slet ikke en beslutning; på et tidspunkt var han der allerede i en eller anden form, klar til at komme på lærredet.
Den rette nuance blå
Maskulinitet fascinerer mig mest, når den ikke er fastlåst. Styrke og blødhed kan eksistere i den samme krop. Mænd er mest interessante for mig, når de sænker paraderne og afslører det, der er både sødt og sårbart. Min mandlige figur kan være sanselig uden at være heroisk, sårbar uden svaghed og feminin uden at blive mindre maskulin.
Måske hjælper den begrænsede palet med at opløse de grænser. Det bliver mere en følelse end en fysisk lighed.
Jeg føler ikke behov for at bevise, at jeg kan male realistisk. Jeg er mere interesseret i at reducere til det væsentlige: en læggens bue, en hånds placering, eller den måde en figur rækker ud for at samle en muslingeskal op, en gestus, der bliver mere end en fysisk detalje.
Min palet er blå – jeg leder altid efter den rette nuance blå – lyserøde og okkerfarvede toner. Det er havets, himlens, en blå forglemmigejs, en Provincetown-solnedgangs farver. I en begrænset palet holder kroppen op med kun at være kød.
De farver, jeg vælger, kan antyde sårbarhed eller ømhed; blå kan for mig antyde sanselighed, ensomhed, længsel.
Jeg forstår godt sammenligningerne med naivistiske malere. Mit arbejde er blevet kaldt det fra begyndelsen, og ja, jeg har mere end én gang hørt Matisse-forbindelsen. Men jeg forsøger ikke bevidst at efterligne noget af det.
Malerierne bliver stærkere, når jeg holder op med at prøve at forklare alt, når formerne bliver enklere, og jeg finder den rette kombination af farver. Jeg justerer og fjerner hele tiden, men der er altid visse koder i malerierne, der fungerer som en dagbog for mig.
“På en måde er de alle selvportrætter, selv om figuren er mindre bogstavelig og mere åben for fortolkning.”
Summen af så mange inspirationer
Jeg er summen af så mange inspirationer, hvad enten det er den komplekse enkelhed i et Modigliani-portræt eller et Herbert List-fotografi af mænd, deres solbeskinnede kroppe under badning i Østersøen. Eller De Chirico og hans “Mysterious Baths”, en henfaldning ind i noget mere drømmeagtigt.
Bøger, der er blevet hængende hos mig som karakterer, jeg engang har kendt i virkeligheden,
At Swim: Two Boys af Jamie O’Neill; In the Absence of Men af Philippe Besson;
While England Sleeps af David Leavitt.
Intimitet er det tilbagevendende tema. Det er, hvad jeg håber mine malerier kan formidle.
Jean Cocteau er en konstant kilde til inspiration i sine tegninger og film, især sømandsillustrationerne og filmen “La Belle et la Bête.” Og så er der hans White Book.
Jeg bevæges af Kavafis’ digtning, der skaber en fornemmelse af længsel og begær.
Jeg føler en forbindelse til Salman Toors værker. Da jeg først blev opmærksom på dem, talte de til mig i et lignende sprog, men om en anden erfaring; farvens essens til at fremkalde en stemning.
Jeg laver malerier ud fra den akkumulerede visuelle og følelsesmæssige hukommelse fra mit liv; kunst, litteratur, film, mennesker jeg har kendt, mænd jeg har begæret, steder jeg husker.
Fra en åbningsaften i Chelsea til Paris
Hver milepæl har betydet noget forskelligt for mig. Udstillingen hos Les Mots à la Bouche i Paris var dybt personlig. At se mine malerier præsenteret dér — inde i et sted så forbundet med bøssekulturelt og litterært liv — føltes som et øjeblik af ankomst, en drøm, der gik i opfyldelse.
Jeg var beæret over at være med i 100 Artists of the Male Figure og at være del af denne større samtale om, hvordan kunstnere har set og fortolket den mandlige krop. Jeg arbejder i øjeblikket frem mod foråret 2027, hvor jeg er blevet inviteret til en soloudstilling hos Bnude Art Gallery i Barcelona.
Jeg beskriver aldrig mig selv som kunstner. Jeg tænker på mig selv som maler. Jeg tror, at kunstner er noget, andre tildeler én. Jeg fortsætter bare med at male. Selv om det at skabe altid har været en del af mit liv, begyndte jeg ikke at male for alvor før i slutningen af trediverne.
Et tidligt øjeblik bliver hængende hos mig. Jeg var med i en gruppeudstilling i Chelsea, New York, og på åbningsaftenen tøvede jeg med at møde op, ny som jeg var i det newyorkske kunstmiljø med malerier, der var blevet beskrevet som om et sofistikeret barn havde malet dem. Så begyndte folk at købe dem. Jeg var lamslået — ikke bare over salgene, men over erkendelsen af, at noget jeg havde skabt, kunne tale til nogen, jeg aldrig havde mødt.
Da arbejdet begyndte at få lidt anerkendelse — en invitation, et solgt maleri eller mit navn på en gallerivæg — var jeg altid forbløffet, og jeg begyndte at forstå, at jeg var trådt ind i et andet sted. Det, der stille og roligt var begyndt i akkumulationen af timer alene med et lærred, uden at nogen forventede resultater, var nu sårbart over for forskellige fortolkninger. Og i det må jeg vende tilbage til et sted, der er ærligt for mig.
Nøgne mænd, lyserøde solnedgange og ord ved siden af malerierne
Det var faktisk forfatteren og redaktøren, selv kunstner, Eric Gibbons, der henvendte sig til mig for at lave en bog med mine malerier med forskellige forfattere, som bidrog med historier inspireret af arbejdet.
Jeg sendte en historie ind, så to, så tre, og Eric traf beslutningen om, at jeg selv skulle stå for hele skrivningen.
Jeg så det som både en udfordring og en mulighed for at tage de ord, fragmenter og løsrevne sætninger, der svæver rundt i mit hoved, og få dem ned på papir på samme måde, som jeg fører en pensel til lærredet.
Ordene var ikke der for at forklare malerierne. Jeg ville have dem til at eksistere ved siden af dem. Bogen blev, ligesom malerierne, en slags dagbog for mig; en fiktion, der fortæller sandheden om en sæson, en romance, et sommersted. Der er en samtale mellem ordene og kunsten, men ingen af dem er ment at afslutte den andens sætning.
Jeg havde ikke en bestemt læser i tankerne. Det er ikke en memoir, ikke noveller eller et digt. Om noget forsøgte jeg at få noget ned, før det forsvandt eller ændrede sig med tiden.
Måske håbede jeg, at nogen, der læste mine ord, kunne genkende noget af deres egen livserfaring. Vi har alle haft mennesker og steder, ting, der virkede almindelige, da de skete, men som fik betydning, efterhånden som tiden gik.
“Både mit maleri og min skrivning er forsøg på at holde fast i noget, der efter sin natur er flygtigt.”
Et maleri inspireret af Provincetown kan rejse
Jeg maler ikke specifikt efter en efterspørgsel, men jeg er nu mere bevidst om, at et maleri inspireret af Provincetown kan rejse og tale til nogen i New York, Amsterdam, Paris, eller for den sags skyld hvor som helst. Det har givet mig lov til at stole dybere på billedsproget og lade beskueren skabe sin egen historie.
Jeg er aldrig helt tilfreds med, at et lærred er færdigt. Med tiden kan jeg fornemme, om jeg har valgt den rette nuance blå, om jeg har lagt alt det nødvendige ind og taget alt det unødvendige ud.
Jeg overlader det til ArtLove Gallery og Galerie MooiMan at kuratere på en måde, som de føler bedst tjener præsentationen af mit arbejde. Når det hænger i et galleri, er det gået fra mine hænder og over i en helt anden ramme. Den afstand kan få mig til at se maleriet på ny.
Min fornemmelse er, at europæiske beskuere ofte umiddelbart er trygge ved den mandlige figur som både kunsthistorisk motiv og som et objekt for ømhed, skønhed og begær, uden at værket behøver at erklære eller forsvare sin seksualitet. Jeg håber, at både amerikanske og europæiske beskuere kan forstå enkeltheden i arbejdet og genkende noget af sig selv i det.
Måske er den bredere skelnen, at noget rodfæstet i mit eget helt særlige sted og min egen erindring kan rejse godt. Malerierne begynder hos mig, med min genskabelse af maskulinitet, længsel og erindring, men de forbliver åbne for andres fortolkning.
